Tips para conseguir claridad y separación en tus grabaciones

La industria de la grabación digital ha experimentado tal grado de desarrollo que hoy en día cualquiera de nosotros cuenta con un potente estudio de grabación en su ordenador personal. Raro es el músico de hoy, siempre atento a los avances en esta materia, que no utilice su ordenador y su interfaz de audio para grabar su propia música, ya sean sus ejercicios de técnica, las demos de sus canciones, los ensayos con su banda, las secuencias que van a lanzar en directo, etc…

Esta facilidad es un arma de doble filo. Tenemos a nuestro alcance un número de pistas ilimitado que nos invita a grabar pistas y pistas, tomas y tomas, instrumentos y más instrumentos y llega un momento que nos encontramos con un pequeño caos. Poca claridad, poca separación, enmascaramiento, saturación, etc.

Ahí van algunos sencillos consejos para que nuestras grabaciones suenen lo mejor posible:

1.- Graba a bajo nivel. Esta es una de las cuestiones fundamentales y más controvertidas en el mundo del audio. Tenemos la costumbre de ajustar la ganancia de entrada de un micrófono o instrumento lo más “caliente” posible. Hasta que el indicador está en amarillo sin llegar al rojo. Hoy en día, con los limpísimos conversores digitales de los que disponemos, esto es un error. Graba a un nivel bajo, no dejes que los picos superen los -12 o -10 db. Si necesitas más volumen, súbelo en tus monitores o auriculares. Tampoco dejes que el master pique más allá de esos -10 db. Esta técnica te va a permitir tener espacio para balancear todas tus pistas, que es lo fundamental en una mezcla.

2.- Panea LCR sin miedo. Hace tiempo que vengo escuchando esta recomendación de la mayoría de los grandes ingenieros de audio. No tengas miedo en panear un instrumento totalmente a la derecha o a la izquierda, sobre todo si son dos timbres que compiten por un mismo espacio en el rango de medios. Por ejemplo, un buen punto de partida sería mantener el bombo, la caja, el bajo y la voz principal en el centro, y luego experimenta con teclados, guitarras y coros. Si tienes dos acústicas, una a cada lado. Una guitarra y un teclado, lo mismo. Además, así vas a conseguir una sensación estéreo, de espacio, que ayuda al oyente a identificar a cada instrumento por separado.

3.- Filtra. Aplica un filtro pasa altos (HPF) con moderación a instrumentos como guitarras, voces, teclados, y percusión. Debes tener cuidado con esta técnica, pero experimenta con ella. En la mayoría de los casos te va a ayudar a eliminar información no necesaria de algunos instrumentos que lo único que te está haciendo es enmascarar frecuencias fundamentales del bajo, el bombo o cualquier otro instrumento en esa zona del espectro.

4.- Elimina todo lo que no necesites. Esta es, probablemente, la técnica más difícil de implementar porque, como comenté más arriba, tener la oportunidad de grabar pistas infinitas es a menudo un caramelo al que es difícil renunciar. Probablemente te ha pasado muchas veces que te dejas llevar por tu inspiración y te ves con una sesión con 4 pistas de acústicas, 5 eléctricas, piano, varios sintetizadores y un orfeón de coros. Hazte esta pregunta ¿la canción me está pidiendo realmente tantas capas? Escoge lo estrictamente necesario y deshazte de lo superfluo. Cuanta menos información des a la vez, más fácil será interpretar el mensaje.

Escucha algunos temas que te molan. ¿Cuántos instrumentos están sonando a la vez en cada sección?

Estos son algunos truquillos sencillos que a mi me ayudan mucho y que uso en cada tema que produzco. Recuerda que no hay arma secreta, sino una multitud de pequeños pasitos.

Ahora me gustaría que compartieras con nosotros alguna otra técnica que te ayude a conseguir claridad y separación en tus pistas.

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Miquel Concú

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Soy un músico independiente. Creo y produzco música de manera autónoma desde cualquier lugar. Me he empeñado en derribar mitos y barreras para que todos podamos compartir nuestra música con el mundo.